28/02: Aida en el Confín

28/02: Aida en el Confín (48 Págs.)

Vanna Vince – Dolmen Editorial 2008

Nuevamente será una reseña de un cómic europeo, que llegó a mí de manera inesperada, como un regalo. Pero cuando me puse a leerlo, me encontré con una obra intimista, que refleja la búsqueda de uno mismo en una elegante y bella atmósfera creada por el blanco y negro de su autora, la artista italiana Vanna Vince.

 Originalmente llamada Aida Al Confine, fue publicada en 2003 por Kappa Edizione. Este tomo en español, editado en forma de novela gráfica por Dolmen Editorial, cuenta con traducción de Rafael Macías, una portada alternativa hecha específicamente para esta versión y un epílogo de 11 páginas con los relatos de la autora sobre qué hechos de su propia vida utilizó para crear esta obra.

La autora italiana ha sido capaz de fusionar lo oscuro, lo gótico e incluso lo autobiográfico. Justamente la identidad de este cómic no se sustenta en temas modernos, ni en seguir ciertas corrientes góticas de moda, sino que es una obra personal e histórica. De hecho, se plasman veladamente ciertos arrebatos de furia interna de Vanna Vince que son realmente encomiables, por su gran puesta en escena, con una serie de viñetas totalmente desgarradoras, sobre todo en la segunda parte de la obra.

 Aída en el Confín nos introduce en la  mente de Aída, una joven italiana que vuelve a los orígenes familiares. En plena reflexión vital tras separarse de su pareja sentimental vuelve a Trieste, lugar de donde eran sus abuelos, para despejarse, encontrarse consigo misma o, mejor dicho, encontrar una salida a una vida saturada desde el punto de vista anímico.

Pese a las atenciones de su prima Mara, Aída se reencuentra con sus abuelos, o mejor dicho, sus personificaciones fantasmales, quienes aluden que les falta algo que hacer todavía en el mundo de los vivos. Sin embargo, nos son los únicos encuentros que Aída se verá obligada a soportar, sino que será la desencadenante de un regreso a un pasado horrible, belicista, al verse obligada a averiguar la muerte de Nino, otra aparición, que guarda parentesco familiar con sus abuelos.

La última parte se convierte en viaje al pasado en primera persona. Una auténtico aluvión de imágenes en blanco y negro sobre los aborrecibles crímenes de la Segunda Guerra Mundial, recuerdos que se transformen en una búsqueda personal de Aída sobre sí misma, aunque Nino sea el mensajero entre dos mundos, el terrenal y el no terrenal.

 Es una obra atípica, donde los recuerdos y los ánimos toman el papel protagónico, para que la historia y ese fantástico clima entre lo real e irreal nos atrape al instante. Fue una grata sorpresa encontrarme con esta autora, que sin duda no te vas a arrepentir de leer. Cierro con una gran frase de esta novela gráfica:

“Se dice que los fantasmas aparecen cuando les queda algo pendiente… señor, si siempre queda algo pendiente que hacer”.

27/02: Robotech: Desde Las Estrellas Vol. 1-2

27/02: Robotech: Desde Las Estrellas Vol. 1-2 (64 Págs. c/u)

Jay Faerber, Long Vo, Charles Park y Saka – Gárgola Ediciones y Cómics Cono Sur 2007

Nos encontramos ante un cómic de una de las series animadas cumbres de la ciencia ficción del 80. Haciendo un poco de historia, Macross fue un anime que marcó un antes y un después en la animación de la época, que fue rejuntada con otras dos series de anime y sus guiones reescritos por Harmony Gold, una empresa norteamericana que la distribuyó internacionalmente con el nombre de Robotech.

Este cómic se encuentra justamente en esa línea, dentro del Universo Robotech, con los nombres colocados por la distribuidora yankee, y escrita y dibujada por norteamericanos y japoneses, imitando la estética japonesa, hasta en algunos gag  y expresiones,  transformando esta serie en una extraña mezcla entre cómic y manga.

La historia fue ideada por Tommy Yune, pero los guiones adaptados por Jay Faerber. El Arte fue repartido entre Long Vo, Charles Park y Saka, por lo que nos encontramos con altibajos de nivel en los dibujos. Destaco como puntos altos las escenas de acción piloteando los aviones, de soberbia factura. Pero en ese afán de imitar la estética japonesa, nos encontramos con las escenas dramáticas o cómicas flacas, sin brillo, de poca consistencia.

 La historia se sitúa años antes de lo visto en la serie de TV. Rick Hunter será esta vez un personaje secundario, recayendo todo el protagonismo en su “sempai”, su amigo considerado hermano mayor, el querible Roy Focker. Piloto del circo aéreo del padre de Rick, es llamado como piloto de prueba por sus grandes condiciones, para una nueva nave de robotecnología (tecnología alienígena), los Veritech. Como en la serie televisiva, no faltará un triangulo amoroso (con su novia en la serie, Claudia Grant, con quien mantendrá una interesante charla en la que Roy justifica su comportamiento mujeriego por su miedo a morir como piloto) y una conspiración política, en la que habrá traiciones inesperadas.

 Publicado originalmente por Wildstorm, de DC, entre abril y Junio del 2003, las revistas Robotech 0, 1, 2, 3, 4, 5 y 6, fueron recopiladas en dos tomos por las extintas editoriales Gárgola Ediciones y Cómics Conosur, impresas en Noviembre del 2007, con la traducción de Matías Timarchi, quien ahora dirige la editorial Ovni Press.

 Si bien puede leerse por lector ignotos de la serie, contiene muchos guiños para los fans, que lo vuelve más disfrutable. Resulta interesante ver a Rick Hunter como un adolescente con sueños y habilidad impresionantes para ser piloto, y a Roy Focker con una gran chapa de protagonista, que se juega a pleno. Sinceramente, no tenía muchas expectativas para esta obra pre-fabricada, pero en el segundo tomo llegó a interesarme y a compenetrarme, incluso las escenas de acción aéreas me recordaron a Flashpoint: Linterna Verde. Y las traiciones y conspiraciones sumaron mucho picante.

 Para los fanáticos de Robotech, es una lectura entretenida y disfrutable, que ahonda en el pasado de los personajes. Para los asiduos lectores de cómic, mejor seguir de largo.

26/02: No me Dejes Nunca

26/02: No me Dejes Nunca (48 Págs.)

Jason – Atisberri  2008

Por buenas recomendaciones, me topé con Jason, un autor noruego que sigue la línea de contar historias duras, protagonizadas por personajes animalizados, con caras de perros y gatos. Esto me llamó la atención, por lo que conseguí esta obra publicada en España como No Me Dejes Nunca, y en Estados Unidos como The Left Bank Gang. La versión española, publicada por la Editorial Atisberri en Enero del 2008, con la traducción de Oscar Palmer, es una bonita edición, que me hizo conocer un autor atípico, lleno de recursos demostrados en esta Obra Maestra.

 No me dejes nunca es una historia ambientada en el París de los años veinte, y protagonizada por una serie de escritores de fama mundial como son Hemingway, Gertrude Stein, Scott Fitzgerald, Ezra Pound o James Joyce, pero trasladados al mundo de los autores de cómic. Esto dará un increíble juego a la hora de transmitir los diferentes estilos literarios, partiendo de los diferentes recursos narrativos de los cómics (cómo cuando debaten sobre La Guerra y la Paz de Tolstoi, o de Crimen y Castigo de Dostoievsky). Se hará un contraste entre la familia de Hemingway que lo banca en las malas, aunque no tenga un centavo, y la de Fritzgerald, que no soportan la bohemiada y vivir al día. Todo dará un giro cuando los protagonistas perpetúen un robo a la recaudación de una exhibición de boxeo para dejar de vivir en la inseguridad de los autores de cómics rechazados. La escena del robo y de la fuga se nos mostrará repetidas veces desde los diferentes puntos de vistas de los personajes, y el final es simplemente soberbio, dejándonos mensajes y preguntas.

Siendo una obra en la que se habla sobre la inseguridad del artista, Jason no da en ningún momento esa sensación debido a su maestría a la hora de conseguir esa fluidez narrativa entre viñetas, manejando el ritmo perfectamente, nunca poniendo más viñetas de las que tocan en cada escena (grilla de 9 cuadros, como Watchmen), con personajes que entran y salen en el momento preciso. De estilo minimalista y línea clara, utilizando principalmente líneas angulares, demuestra en todo momento imaginación y creatividad, siempre acompañados por un magistral uso de los silencio.

 Jason nos transmite todo tipo de sensaciones, asociándolas a la historieta y a todo lo que supone su elaboración creativa. Sensaciones que transmiten principalmente una melancolía y añoranza que roza un marcado exhibicionismo existencialista. Personajes que se mueven entre el límite del bien y del mal, de lo correcto y lo incorrecto, del ser o no ser en la vida de cada uno. El final nos deja algunas preguntas flotando en el aire: ¿Hacia qué caminos nos puede llevar la codicia y el egoísmo del ser humano? ¿Seremos capaces de descubrir qué es realmente lo más valioso de nuestras vidas?

 “No Me Dejes Nunca” es lo que le digo a este autor noruego, de quien conseguiré sus otras obras en el futuro inmediato.

25/02: Starfire: Especial Verano

25/02: Starfire: Especial Verano (48 Págs.)

Marv Wolfman y Denys Cowan –Editorial Zinco 1991

Nuevamente será una reseña de un cómic clásico y viejito, como estos dos últimos días. Esta vez será de un tomo de 50 páginas que, la Editorial Zinco publicó en el lejano año de 1991 bajo el nombre de Starfire: Especial Verano, con la traducción de Madelon Trumpi. Este recopila las revistas Teen Titans Spotlight 1 y 2 (Agosto y Septiembre de 1986), con una pequeña saga llamada Blanco y Negro. Teen Titans Spotlight fue una pequeña serie de 24 números publicados de 1986 a 1988, donde se nos contaban historias suplementarios de los Teen Titans en aventuras solitarias de sus integrantes.

 El genial Marv Wolfman (guionista de la clásica Crisis en Tierras Infinitas) tenía pensado publicar alguna serie sobre el Apartheid de Sudáfrica, y luego de un viaje en Europa, los editores de DC le dieron luz verde a su proyecto. Como dibujante, contó con la colaboración de Denys Cowan, hombre de color, quien le dio su impronta personal al tema. Como último integrante, para entintador participó otra vaca sagrada de DC de la época, Dick Giordano, quien ya había cumplido la misma función en Crisis en Tierras Infinitas.

 Ya con el equipo creativo armado, esta mini saga nos sitúa en la Sudáfrica de 1986, mientras Starfire emprende un viaje por el lugar, para aclarar su mente luego de volver de su planeta natal Tamaran. Se ve involucrada en el asesinato de una mujer a manos de unos lugareños, quienes se justifican del acto por el régimen del gobierno blanco y la crueldad del Apartheid. Sin entender por qué los humanos cometen estas injusticias, Starfire se cruza con un líder pacifista quien desea la libertad de los hombres de color, llamado Nelson Mandutu (en una clara referencia a Nelson Mandela). Pero todo se complica cuando éste sea secuestrado, y Starfire sea culpada de asesinarlo cuando intenta rescatarlo. Pero su lucha pacifista y libertaria no morirá, porque continuará de la mano de su esposa.

 De esta manera nos encontramos frente a una obra que usa a los súper héroes como excusa, sólo para contar una trama diferente. Para mostrarnos las crueldades del sistema de Apartheid que se vivía hace años en Sudáfrica (se nos muestran, por ejemplo, las torturas o los pensamientos racistas de los blancos), todo bajo la mirada inocente de Starfire, quien no tiene idea de lo que pasa en ese país, ni por qué se matan unos a otros (tal vez en una analogía con el pueblo norteamericano). Resulta interesante ver las preocupaciones y fantasmas de la protagonista, quien no quiere matar ni dejarse llevar por sus fuertes emociones, junto a la lucha pacifista que emplea el pueblo sudafricano, para dejarnos el buen mensaje de antimilitarismo y la paz.

 La edición de Zinco resulta difícil de conseguir, a no ser que sea por las páginas de compra y venta de Internet, pero es una buena opción si se quiere hacer una lectura atípica del género súper heroico, con una enredada trama social.

24/02: Lost World

24/02: Lost World (248 Págs.)

Osamu Tezuka –Glenat 2007

Después de varios días, vuelvo a reseñar una obra del Manga no Kamisama, Osamu Tezuka. Como ya comenté anteriormente, el fue el pionero del manga y del anime. Esta obra fue publicada en 1948, cuando no existían las revistas de antología que publican episodios semanales, quincenales o mensuales. Como todas las obras de esta época, tienen una marcada influencia por los dibujos de Disney, con un dibujo apuntado al público juvenil (como cuando los personajes se golpean y causan gracia como las caricaturas de la década del 30, los villanos bien marcados, etc.).

 Lost World, vendría a ser la segunda parte de una trilogía orientada a la ciencia ficción (integrada por Metrópolis y Lost World), pero que se lee independientemente. Como elemento que las une, aparte de la ciencia ficción obviamente, es que las protagonizan los mismos protagonistas, aunque en diferentes papeles (como el joven Kenichi, el detective Mustachio con papeles trascendentales, Lamp, Duke Red, etc.).

 La historia transcurre mayormente en Mamango, el planeta que en su día se separó de la Tierra y partió hacia el espacio, que vuelve a acercarse a nuestro mundo después de un viaje de cinco millones de años, y los exploradores de la Tierra arriesgan su vida para conseguir las poderosas piedras de energía que se ocultan en sus entrañas. Resulta interesante ver que la obra vendría a ser una mezcla de varios géneros, entre ellos el de misterio (con un asesinato como inicio de la historia), la ciencia-ficción (en un estilo muy parecido al de Julio Verne) y la aventura (porque el planeta Mamango donde transcurre la segunda parte de la historia tiene claras connotaciones a El Mundo Perdido de Arthur Conan Doyle, pese a que en el epílogo el autor reconoce que no había leído la citada obra en el momento en que creó esta historia). Vale destacar también la presencia de la gente planta (las plantas que adoptan apariencia humana) que luego volvería a utilizar en el resto de sus series, como en Next World o Astroboy.

 La historia no tiene un protagonista determinado, ya que la acción se nos va contando progresivamente bajo la mirada del Doctor Shikishima, del detective Shunsaku Ban (Mustachio) e incluso de los malvados, pero el resultado final es de agradable lectura principalmente por el carácter caricaturesco, influenciado por un Walt Disney que también se iniciaba por aquellos años (nótese el cameo del Pato Donald en la parte final de este tomo). Por eso, pese a cierta infantilización en el personaje del científico, no deja de ser esta una obra curiosa de descubrir para conocer un poco de los orígenes de este genio del manga.

 Las historias de Tezuka de aquella época tienen un estilo que, aunque fuese innovador en su época, ahora puede parecer antiguo, hecho que a algunos puede no convencerlos, pero los guiones tienen claras referencias al cuidado de la naturaleza y al antimilitarismo (por la Guerra Fría que recién empezaba) muy disfrutables.

23/02: Biblioteca Grandes del Cómic - Drácula Vol. 1

23/02: Biblioteca Grandes del Cómic - Drácula – Vol. 1 (162 Págs.)

Marv Wolfman, Gerry Conway, Gardner Fox y Gene Colan – Planeta de Agostini 2002

Nuevamente, vuelvo al género terror, y al mismo tiempo al Universo Marvel. Pero esta serie no es como el terror actual, donde no se escatima en sangre o destripamientos. Este terror, de la década del 70, juega más con lo desconocido, con lo innombrable, con el misterio, el suspenso. Y todo era ayudado por los grandes maestros del blanco y negro (alguien que se me cruza por la cabeza es Horacio Lalia). Originalmente, esta serie se llama Tomb of Drácula, y consiguió muchos adeptos en las décadas del 70 y del 80. Planeta de Agostini editó los 70 números de la serie, junto con algunos especiales y crossover, en una bonita colección titulada como Biblioteca Grandes del Cómic: Drácula. Este primer tomo recopila las revistas Drácula Lives! 2 y Drácula Lives! 3 (donde se cuenta la génesis del personaje), Tomb of Drácula 1, 2, 3, 4, 5 y 6.

La idea de Marvel era incorporar a su universo algunas leyendas del terror, como lo eran Drácula o el Hombre Lobo, Frankestein, etc. Razón por la cual Marv Wolfan hace debutar a Drácula (Vlad Tepes, el famoso emperador) en la serie Drácula Lives!. En los siguientes números y en la serie Tomb of Drácula tendremos los guiones de Gerry Conway y Gardner Fox. Pero lo que le otorga un verdadero plus a esta historia, aparte del gran magnetismo del protagonista (y que éste sea un villano, algo inusual para la época), sin duda son los excelentes dibujos de Gene Colan. Este animalito la descose con el blanco y negro, generando ambientes sombríos, miradas que paralizan, y expresiones faciales que realmente te sorprenden. Esos dibujos tétricos juegan 100% a favor con el relato.

 Este trata sobre la persecución de los caza vampiros Frank Drake, Rachel Van Hellsing (nieta del famoso Abraham Van Hellsing) y su ayudante hindú Taj, contra Drácula. Éste  es transformado en vampiro en la época de las  Cruzadas por una bruja, y como los árabes asesinan a su familia para extorsionarlo a cooperar, por eso se entrega a la venganza y la completa exterminación de la humanidad.  Pero es puesto a dormir por Abraham Van Hellsing y los hechos ocurridos en la novela de Bram Stroker. Sin embargo, es despertado por Frank Drake (su descendiente) y su amigo Cliff Graves, quien luego es transformado en un siervo del Conde. Como Drácula asesina a su novia, Frank Drake jurará venganza y se unirá a los caza vampiros Rachel y Taj para aniquilarlo.

 Este es terror sobrenatural del bueno, donde los climas opresivos y sombríos juegan un papel fundamental, y presenciamos criaturas  demoníacas y no muertas. Drácula se encontrará al acecho de sus perseguidores, y éstos intentarán contra atacarlo, mientras viajan por Londres y otros parajes de Inglaterra conociendo personas y futuras víctimas del vampiro. Nos encontramos ante un clásico de terror que marcó un antes y un después, que no podes pasarlo por alto, y que aunque lo leas 40 años después, te va a cebar para leerte todos los 70 números.

22/02: Fairy Tail Vol. 25

22/02: Fairy Tail – Vol. 25 (194 Págs.)

Hiro Mashima – Norma Editorial 2012

Luego de reseñar un manga experimental y más exótico, volvemos al mainstream japonés. En donde no vale pensar mucho, si no que la historia se basará en personajes exóticos, luchas copadas, acción, personajes femeninos sexys, más acción, más personajes femeninos sexys, etc. Fairy Tail es un manga actualmente en publicación, dibujado por el mangaka Hiro Mashima, y tiene la formula para ser un éxito sin dudarlo. Estamos hablando de un shonen con los cánones actuales: un adolescente en una aventura, rodeado de personajes pintorescos, con humor, escenas dramáticas, féminas buenísimas, villanos gradualmente más fuertes, etc.

 Para el que nunca leyó el manga o vio su serie animada, Fairy Tail nos narra sobre Lucy Heartfilia, una joven maga de 17 años de edad especializada en la magia de espíritus celestiales, quien huye de su hogar y viaja al reino de Fiore para unirse al gremio de magos Fairy Tail. Allí conoce a Natsu Dragneel (mago experto en magia de fuego mata dragones), un joven que busca a Igneel (un dragón que actúo como un padre adoptivo para él en su infancia), y que viaja acompañado de su mejor amigo, un gato parlante llamado Happy. Allí también conoce, a Elsa Scarlet, una maga especializada en el equipamiento de armaduras y espadas, así como a Gray Fullbuster, un mago experto en el control del hielo. A partir de entonces, Natsu, Lucy, Gray, Elsa y Happy forman un equipo para acudir a las distintas misiones que existen en el gremio, las cuales ofrecen a cambio de una recompensa cuyo valor varía según el grado de dificultad de la misión. Conforme transcurre la serie, se dan a conocer otros gremios que buscan casi siempre superar y destruir a Fairy Tail, por lo que los miembros del gremio deben unir fuerzas y evitar que los oscuros propósitos de aquellos se cumplan.

 En este tomo 25 nos encontramos ante el principio de la saga del Examen a Mago Nivel S, ya que los mejores magos del gremio se enfrentarán a unas pruebas en una isla para poder subir de rango de mago. Pero el examen se ve interrumpido cuando son atacados por el mago oscuro más poderoso, Grimoire Heart. Si bien es sólo un preludio, y aún no luchan los magos más poderosos del gremio oscuro, tenemos una buena pelea de Crujsy, quien había perdido algo de protagonismo en tomos anteriores.

 La versión en español nos viene de la mano de la editorial española Norma, que si bien hoy en día la versión importada sale sus buenos pesos, es una edición prolija, con sobrecubiertas, y los extras al final del tomo en tono humorístico.

 Un manga ideal para los amantes del manga y del shonen, con la contra de que es un shonen clásico de peleas sin necesidad de pensar mucho, pero que a los fanáticos de Eichiro Oda y su manga One Piece les gustará sin duda por su estilo de dibujo tan similar (Mashima y Oda fueron asistentes del dibujante Nobuhiro Watsuki, creador de Ruoroni Kenshin) y su historia de peleas clásicas pero divertidas, lo que le da un aire fresco a este shonen.

21/02: El Gourmet Solitario

21/02: El Gourmet Solitario (200 Págs.)

Masayuki  Kusumi y Jiro Taniguchi – Atisberri  2010

Me encuentro nuevamente ante un manga dibujado por el maestro Jiro Taniguchi, pero que en esta ocasión cuenta con el guión de Masayuki Kusumi. Esta vez la historia no se centrará en la naturaleza como suele dibujar este mangaka, si no que serán todos paisajes urbanos en una historia atípica. La edición española fue publicada por la editorial Atisberri en el año 2010, y cuenta con bonito diseño y solapas. Un punto en contra, es que la editorial no elige publicar mangas japoneses como prioridad, por lo que las páginas son espejadas, para que el sentido de lectura sea occidental (de izquierda a derecha).

 El protagonista de este manga es un joven comerciante residente en Tokio que, debido a la necesidad de visitar a diferentes clientes, se ve en la obligación de viajar frecuentemente por la capital nipona y sus inmediaciones. Como consecuencia, aprovecha cualquier momento para saciar su hambre, y la hora de la comida se convierte en una oportunidad perfecta no solo para redescubrir lugares visitados con anterioridad, sino también para disfrutar con diferentes platos típicos de la cocina popular japonesa y analizar la clientela y el ambiente imperante en el local elegido para la ocasión. Una costumbre, casi elevada a la categoría de ritual, practicado por un personaje del que apenas conocemos detalles (más allá de pequeñas pistas de su pasado).

 A través de 19 capítulos (tantos como recetas y emplazamientos en los que se desarrolla la acción, de 10 páginas cada uno), los autores presentan relatos autoconclusivos que, analizados de forma conjunta, se convierten en un pequeño esbozo de la personalidad del misterioso protagonista. Un tipo afable, tranquilo, sosegado, reservado, educado, trabajador, en cierto modo nostálgico y, por encima de todo, de buen comer. Evidentemente, el elemento gastronómico adquiere un gran peso en la obra, ya que Taniguchi y Masayuki se esmeran en plasmar una exhaustiva descripción gráfica y literaria de los platos ingeridos por los personajes, prestando la atención necesaria a sus ingredientes, sabores y precios. Pero esos mismos platos y menús no solo despiertan la curiosidad, el entusiasmo y el apetito del protagonista, sino que también se convierten en detonantes de recuerdos vividos y sensaciones experimentadas con anterioridad. Además, los pequeños tiempos muertos (la búsqueda de un restaurante, el estudio de la carta, la espera para ser atendido y servido, y la propia degustación) terminan propiciando la observación del entorno, la reflexión acerca de la memoria, de los cambios en las zonas antaño conocidas, y la sorpresa por los lugares hasta entonces desconocidos; pero sobre todo, el estudio de los comensales y del entorno en el que se mueven, hasta el punto de que este ejercicio analítico termina por conformar un pequeño retrato de la sociedad y cultura japonesas, y de las costumbres, rasgos y características asociadas a cada estrato social.

 Como puntos negativos, se le puede criticar a este manga el repetitivo esquema de todos sus capítulos, y que en los mismos no haya un nudo y desenlace específico más allá de una degustación de la comida por el protagonista.

 El género gourmet es una alternativa en el cómic japonés aunque en occidente nos parezca increíble, pero en esta historia no hay un chico que lucha por sus sueños y en “batallas gourmet”, si no que le da una interesante vuelta de tuerca al género al usarlo como una excusa para contarnos en realidad como es la gente que habita en los diferentes barrios de Tokyo. Una verdadera delicia.

20/02: Operación Towertank

20/02: Operación Towertank (100 Págs.)

Gabriel Luque – Editorial Ivrea  2005

Continuamos con historietas latinoamericanas,  y esta vez será una nacional. Es cierto que frente a la reseña anterior ésta palidece completamente, pero es una obra orientada hacia otro target: adolescentes que consumen manga y anime. Gabriel Luque es el autor de esta historieta, aprovechando un género que no ha sido explotado en el país: los mechas (o robots gigantes). ¿Un cómic nacional de mechas? ¿Es posible? Me pregunté, y si bien no es una obra trascendental ni vanguardista, sale airoso del desafío al entretener al lector.

 Al ser una historieta de mechas, el dibujo apunta a la estética manga (con mechas y conspiraciones que hacen recordar a Robotech), aunque también apueste a la mezcla de culturas al nombrar cada capítulo con canciones de rock nacional, o que la historia de un campesino que se rebela a un Imperio nos haga acordar inmediatamente a Star Wars.

 La historia nos sitúa en el futuro. La historia oficial indica que, a mediados del siglo XXI, una flota estelar de la raza alienígena EMO (¿junto a los floggers y darks?) atacó ferozmente la superficie terrestre. Este episodio crítico para la existencia de la humanidad pasó a la historia como el "One Hour Armaggedon". Siglos pasaron desde aquel episodio y una parte de la humanidad vive en un gigantesco conglomerado orbital que rodea el planeta Tierra al mando de fuerzas militarizadas que son el gobierno terrestre, el resto vive en pequeños poblados civiles sobre la superficie terrestre, pero que a diferencia de los habitantes del conglomerado orbital, son de condición humilde, tratados como colonia. Entre los habitantes de uno de estos poblados se encuentra Bioy Klemm, un chico de 16 años el cual está aburrido de la vida rural y abrumado por la falta de futuro que esta rutinaria actividad tiene para él, ya que sueña con irse a vivir al conglomerado orbital para ingresar a la academia militar de pilotos de los mechas Tower Tanks (¿será Luke Skywalker?).

Cuando los Emodianos lanzan un nuevo ataque contra el conglomerado, algunas refriegas llegan a la superficie terrestre. Es así como la rutinaria vida de Bioy Klemm cambia para siempre, ya que un mecha EMO cae derribado en sus narices y gran sorpresa se lleva cuando del interior del artefacto alienígena no sale un ser extraño de sangre verde brillante (como se describen en los videos oficiales sobre la autopsia de un EMO; los cuales se emiten por pantallas gigantes en los poblados) si no una joven humana herida. De esta manera la historia oficial no es la verdadera.

 Nos encontramos frente a una clásica aventura de ciencia ficción, con las clásicas conspiraciones políticas, batallas interplanetarias, mechas a cagar, la aventura del joven que siempre soñó con ser piloto, etc. Nada nuevo bajo el sol. Sin embargo si se lee con buena leche, cumple en entretener, en leer una aventura simple pero efectiva, para los amantes de los mechas japoneses. Si sos de esta clase de lector, o queres experimentar con esta clase de ciencia ficción, dale una oportunidad.

19/02: El Cadáver y el Sofá

19/02: El Cadáver y el Sofá (98 Págs.)

Tony Sandoval – La Cúpula  2007

Mi primera incursión a un cómic hecho por un autor mexicano, lo decidí hacer con esta obra. Había leído algunas interesantes reseñas sobre este cómic, y sobre su autor, Tony Sandoval. Y la verdad es que tengo que sacarme el sombrero ante tamaño dibujante. Vemos páginas pintadas con acuarelas, y cuando el clima lo requiere, mucho blanco y negro, con una onda muy a lo Tim Burton. Visualmente es una obra sin desperdicio.

 La historia parece simple, pero lejos de serlo, contiene metáforas, segundas lecturas y hasta una mezcla de géneros. Tiene como protagonista a un chico llamado Polo, algo aburrido que gasta su tiempo paseando solo por el campo, y Sophie, una extravagante chica media dark, que va muy al frente. Pegan onda desde que se conocen, y se pasan las tardes entre arrumacos, en un intenso amor de verano. Luego encuentran un cadáver, que creen que es el de Christian, un chico que desapareció del pueblo hace poco, y lo contemplan descomponerse sentados en un sofá. En la fecha que el cuerpo termine su descomposición, el verano terminará y Sophie deberá marcharse.

Esta historia que parece un romance medio dark o melancólico, se tiñe con el relato policial o misterios sobrenaturales, como los rumores de hombres lobos y vampiros, como cuando Polo siente que todo el verano él y Sophie fueron observados por un lobo. Pero también es una oda al fin de la infancia, el principio de la adolescencia y todo el proceso hormonal, como el inicio del sexo o el fin del primer amor. Al final nos enteremos de lo que pasó con los personajes por los típicos chismes de la gente del pueblo, otro recurso bien utilizado.

 Tony Sandoval mezcla el romance, el humor negro, el relato policial, sobrenatural, ambiente dark, todo enrique la obra, donde la narrativa juega a favor del relato. Quedo encantado con este autor, que espero seguir leyendo otras obras en el futuro cercano.

  Esta novela gráfica fue publicada por la editorial española La Cúpula, en Noviembre del 2007, en una muy bonita edición que vale la pena intentar conseguir.

18/02: The Walking Dead Vol. 5: La Mejor Defensa

18/02: The Walking Dead Vol. 5: La Mejor Defensa (144 Págs. c/u)

Robert Kirkman y Charlie Adlard – Ovni Press 2012

No puedo dejar de leer esta monumental serie. Realmente estamos ante una serie de terror que te deja sentado en la silla, sin poder dejar de leer y saber lo que sigue. Esta saga es un enorme comienzo para todo lo que viene, marcando un antes y después en la serie. Y aún así, es una saga que se la banca sola y te engancha como nunca. Te llena tanto de miedo y de tensión, que estás esperando terminar de leer para poder respirar tranquilo. Algo que no me pasaba hace tiempo.

Como siempre, estos tres tomos (que contienen los números USA 25 al 30) fueron publicados por Ovni Press, en Agosto del 2011, con la traducción de Mauro Mantella. El equipo estable de Charlie Adlard en dibujo, Cliff Rathburn en los grises y el prolífico Robert Kirkman en el guión se mantiene como las sagas anteriores.

En La Mejor Defensa, ya los sobrevivientes se encuentran asentados en la prisión, pero Rick, Glenn y Michenne ven un helicóptero que se estrella en un bosque, por lo que se dirigen allí a buscar sobrevivientes. Descubren que los pilotos del helicóptero fueron rescatados por los residentes del pueblo de Woodbury. Hacia allí se dirigen Rick y los demás pero caen prisioneros. El pueblo es liderado por un sádico dictador que se denomina El Gobernador. Éste les revela que los pilotos fueron comida para unos zombies que mantiene encerrados como entretenimiento, y para hacerlos hablar de dónde habían conseguido las armas, se dedica a torturarlos (incluso Rick pierde una mano).

 Este personaje saca una chapa impresionante como antagonista de la serie por varias sagas. Muestra un sadismo y una inteligencia elevados, intuyendo a quién puede hacer hablar, descubriendo mentiras e incluso leyendo pensamientos con las miradas de sus víctimas. Pero para el resto del pueblo tiene una actitud amable, y parece que sus habitantes le tienen una fe ciega. Este personaje nos enseñe en lo que se puede transformar un líder dictador en la situación extrema.

 Parece que en esta saga, el apocalipsis zombie se transforma en una brillante excusa para contar historias terroríficas y profundizar en personajes. Esta saga pega un salto de calidad impresionante, y deja el ambiente perfecto para lo que viene, que nos va a dejar sin aliento.

17/02: La Metamorfosis

17/02: La Metamorfosis (96 Págs.)

Ariel Zilberberg, Federico Menéndez y Rodrigo Luján –Grupo Clarín  2011

Poco después de que Clarín editará las primeras 100 historietas de Superman (que estoy reseñando en el blog), se encargó de publicar bajo el nombre Colección Novela Gráfica, 4 tomos que adaptaban novelas clásicas. Una de ellos fue La Metamorfosis, de Kafka, clásico de clásicos de la literatura universal. Catalogado el 31/05/2011, el guión fue adaptado por Ariel Zilberg y Federico Menéndez (quienes logran un gran trabajo de síntesis), y los dibujos estuvieron a cargo de Rodrigo Luján. Este equipo trabajó en la misma colección en la historieta que adapta Crimen y Castigo, de Dostoievsky. El dibujo, en blanco y negro, realza la naturaleza opresiva y melancólica de la obra, y hace juego con el protagonista cucaracha al estar plagada de caras grotescas, indefinidas, con ojos como faroles, sin que se le pueda detectar rasgos humanos.

 Para los que no hayan leído el cómic o el libro, la Metamorfosis nos cuenta la historia de Gregor, quien se despierta una mañana transformado en una enorme cucaracha.  De ahí en más, veremos su tortuosa agonía al abandonar su humanidad por vivir como un asqueroso insecto. Pierde su trabajo, su familia (padres ancianos y una hermana joven y violinista) deberán trabajar sin descanso para pagar los gastos que antes se encargaba Gregor, como cabeza de familia. Primero ellos tendrán lástima, y luego desprecio, hasta tal punto que luego que muera pueden ser feliz y perseguir nuevos sueños, liberándose de la carga.

  Esta historia que parece simple, tiene un claro mensaje contra la condición laboral de sentirse una cucaracha, trabajando sólo para pagar las deudas, en un trabajo indeseado pero que beneficia económicamente, donde no se permite ni siquiera estar un día enfermo. Kafka utilizó toda una metáfora para retratar la condición laboral de la post modernidad.

 Esta historieta se lee de manera rápida, con pocos diálogos y pocos textos, algo muy loable teniendo en cuenta que las adaptaciones literarias suelen abusar de los textos tomados al pie de la letra. Otro punto a favor es que la historieta logre interesarnos, a pesar de ser un libro donde no hay mucha acción dramática, sólo los hechos cotidianos de la miserable vida de Gregor, y todo ocurre en dos habitaciones de una casa. Rodrigó Luján logra gambetear este obstáculo, y lograr una historia atrapante, de pocas páginas, donde hasta el dibujo retrata la forma de sentirse del protagonista.